也許讓人驚訝，今年八月份在紐約現代美術館（MoMA）的「聲音：當代譜相」（Soundings: A Contemporary Score），竟然是開館首次以聲音為主題的大型群展。參展的十六位藝術家，來自美國、烏拉圭、挪威、丹麥、英國、德國與日本，台灣藝術家王虹凱也受邀展出。回顧新媒體藝術的發展，一九五、六零年代以降，隨著動態影像逐漸成為普遍的創作媒材，聲音之於影像，雖然不可或缺，卻經常被視作輔助視覺的工具。關於聲音的創作，遊蕩於視覺藝術與音樂間的曖昧地帶，發表聲音的空間，也往往面臨場域歸屬的尷尬。一向自詡前衛的紐約現代美術館，這次以「聲音」為題，令人期待這次的展覽是否終於獨立於視覺影像的觀看方式，建立起新領域的探索？
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| Camille Norment. Triplight. 2008. |
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| Christine Sun Kim. Pianoiss . . . issmo (Worse Finish). 2012. |
什麼是聲音？
或許應先討論，什麼是聲音？在視聽影像氾濫的當代社會，聲音的討論時常被概括氾論於影像之下，然而，聲音在補充觀看之外又能如何被理解？無論微觀或宏觀，視覺是無窮浩瀚中有限的感知，觀看則是一種詮釋的途徑。而聽覺同樣作為一種有限的感知，唯有透過聆聽才可能進一步認識聲音，從而衍生關於聲音的諸種討論。
韓裔美籍的藝術家克里思汀˙金(Christine
Sun Kim, b. 1980)出生即喪失聽覺，而她的創作便是不斷地發掘、認識「聲音」，這一常人再熟悉不過的媒介。她製造聲音，卻要通過其他感官去模擬「聽」的感受，發展個人化接近聲響的途徑。「Scores
and Transcripts (2012)」是一系列抽象畫作，作品「All Day」，一彎長長的紅色弧線，代表了太陽移動的軌跡，畫面中央是一個音樂記譜的休止符，寫上126,144,000，是她從出生到現在所經歷的休止符加總。在這些作品中，觀眾看見的，不僅無聲理解的「有聲」，也是有聲如何能理解「無聲」，透過藝術產生一種双向的交流。
無聲的不可能
德籍藝術家卡爾森˙尼古賴（Carsten
Nicolai b. 1965）的作品「Wellenwanne lfo」，則試圖表現無聲的不可及。當裝置底下的水箱受振盪而產生細微的聲響，即轉化為視覺的漣漪波紋呈現在鏡面的螢幕，螢幕上的波紋捕捉超越人類感官範圍的聲響震動。又如同珍納˙溫德倫（Jana Winderen b. 1965）的作品「超領域Ultrafield 」(2013)，她將自然中人耳無法聽見的那些超音波，如蝙蝠、魚、水中的昆蟲溝通的音頻錄下來，再降至人類的訊息接收範圍，讓聽眾得以體驗日常生活中屬於「無聲」的有聲。
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| Luke Fowler and Toshiya Tsunoda. Ridges on the Horizontal Plane, 2011. |
聲響視覺化
事實上，以聲音為主題的這一次的展覽，視覺的元素仍然佔據重要的位置，甚至，反覆出現成為理解聲音的途徑。馬可˙福斯納特(Marco
Fusinato, b. 1964) 的繪畫作品「黑色內爆Mass Black Implosion」 (2012)
，將當代作曲家雅尼思˙夏納（Iannis Xenakis）譜上每一個音符都連接至畫面的中心點，形成一種超常的聯想：如果同時演奏所有音符，會是什麼光景？以視覺挑撥聽覺，聲音的缺席，卻激盪更寬闊的聽覺想像。哈隆˙米爾薩（Haroon
Mirza, b. 1972）的「一幅畫的框Frame for a Painting」，每次展覽挑選不同的館藏繪畫進行發想。這一次在蒙德里安的作品四周圍繞了一圈藍色與綠色LED燈泡，同步連接電子音軌，白色的吸音棉塑造了半封閉性的聽覺空間，而一角擺放著現代主義的丹麥角桌，以及一顆同步閃爍的腳踏車燈。這些物件的並置產生了微小奇觀，藝術家稱之為物件的自治系統（self
governed system ），視覺與聽覺共構，型塑一種抽象的感官體驗。視覺與聽覺的互動也可以是纏綿而浪漫的，像是路克˙法洛（Luke Fowler）與角田敬也（Toshiya Tsunoda）合作的詩意之作，將日常生活中的鏡中倒影投射在一片隨風飄動的輕薄布幕，風的吹拂撥動兩端的琴弦，使影像觸發幽微的聲響。
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| Marco Fusinato. Mass Black Implosion (Shaar, Iannis Xenakis). 2012. |
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Installation view of the
exhibition Soundings: A Contemporary Score. August 10–November 3, 2013.
© 2013 The Museum of Modern Art, New York. Photograph: Jonathan Muzikar
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場域的聲音
受到艾爾文‧盧塞爾(Alvin Lucier)著名的作品，一個不斷重複錄製播放的錄音帶影響，丹麥籍藝術家雅各˙克格得(Jacob
Kirkegaar, b. 1975) 在核災車諾比封鎖區域內的四個場所，分別錄下了空間的聲音，然後一再重複，直到最終在影像的陪伴下，寂靜的空間迴盪著自己的聲音。藝術家反覆錄製的過程，仿佛是不斷提煉的過程，又像是繪畫中的疊加與塗抹，終究是創作者無法迴避的主觀詮釋，描繪出場域中流連不去的幽魂。另一同樣指射沈重議題的作品「弦樂練習Study
for Strings 2012」，則是藝術家蘇珊˙菲利浦茲(Susan Philipsz, b. 1965) ，根據一九四三年，當時被納粹拘禁的作曲家帕佛˙ 哈斯（Pavel Haas）創作的交響曲，僅留下小提琴與大提琴聲部解構為單一的音符。由於首演的樂手幾乎皆死於集中營，牆面上一排黑色的揚聲器，播送斷續而突兀的單音，對照原本為二十四種樂器譜寫的樂曲，意圖喚起觀者音樂家的缺席。
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| Hong-Kai Wang. Still from Music While We Work. 2011 |
聆聽的政治性
若聆聽是詮釋的過程，如何聆聽、聆聽者與被聆聽暗示的權力關係也是一種政治。王虹凱這次展出2011年威尼斯雙年展的作品，「咱的做工進行曲（Music While We Work）」，邀請虎尾製糖廠的退休員工，回到他們工作的場域，錄製現任人員勞動的聲音，「用聲音來描繪一個世界」。這些由員工親自參與、編輯的聲音圖景，喚出原本注意或者忽略、生活中的各種聲響，龐然嘈雜的機具、轟隆運轉的引擎與碾壓甘蔗的聲音，拼貼出一個社群的圖像，也是台灣工業時代的縮影。這件作品中「被社會忽略的聲音」，展現了獨特的關注面向，將聲音的討論帶入社會位置與文化理解的層次。
回歸最初的探問：什麼是聲音？
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| Richard Garet. Before Me. 2012. |
理查˙蓋瑞特(Richard Garet, b. 1972) 將被人遺忘與遺棄的、曾經承載聲音的黑膠播放器、收音器與音箱，重新組裝。唱盤上取而代之是一顆彈珠，在軌道上永無停止的轉動，發出摩擦滾動的聲音，令人聯想希臘神話中推石頭上山的薛西佛司，看似徒勞的動作，將聲音從音樂的目的解放出來，回溯聲音的純粹。
一九五二年，約翰˙凱基（John Cage）的作品「4分33秒」在紐約首演，從琴蓋緩緩掀開到落下，從此解放了音樂的定義，任何聲響都是音樂，無聲也是有聲，距今已過了六十年。對照之下，紐約現代美術館的這一次嘗試無寧是溫和而保守的，考量到美術館生產的論述、體系乃至於場域，從最初開始即為視覺藝術量身定做，這樣的策展或許無可厚非，但是以視覺詮釋聲音，聽覺也只能停留在與視覺共構的層次。策展人芭芭拉˙倫敦（Barbara London）認為，我們日常透過耳機與個人音響的聆聽經驗，多半帶有私密性，這個展覽則提出共同探索的可能性，讓聽者主動的塑造自己的聆聽經驗。的確，就像是展覽入口，崔絲坦˙佩里齊（Tristan
Perich）用了1500個單位元（bit）的迷你喇叭，聽者可以自由體驗不同路徑產生的組合，或是在遠處感受整體的聲音。亦或是卡密兒˙諾門特（Camille
Norment）在角落站著一支孤零零的麥克風，裡面透射的燈光，暗示舞台上曾經不可一世的輝煌歲月，透過視覺的感應，你腦海中浮現了歌曲。這個展覽是對「聲音」遲來的嘉許，走過展場，每件作品皆不斷提醒著：聲音可以塑造影像，影像也可以建構聲音。然而，關於聲音本身，終究只有旁敲側擊的理解，不禁令人意猶未竟的繼續提問：那聽覺可不可以脫離於視覺？
陳佳音（Jiayin Chen）藝術家雜誌九月份
